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Anna Clyne describe su ruta hacia la música sinfónica

(October 2017)

CLYNE_for_enews.png La compositora del otro lado del Atlántico Anna Clyne describe su curiosa ruta hacia la música sinfónica, fusionando una rica gama de impulsos artísticos.

A veces parece que te sorprende de verdad haberte convertido en compositora sinfónica. ¿Cómo ha evolucionado tu carrera?
He compuesto música desde una edad temprana, aunque nunca tuve un gran plan para "convertirme en compositora"; simplemente es algo que siempre he disfrutado. Tan pronto como empecé a tocar el piano, también comencé a componer y las dos actividades se entrelazaban. Cuando estudiaba en la Universidad de Edimburgo me fui un año de intercambio al extranjero, a la Queen's University en Canadá, y fue allí donde tuve mis primeras sesiones de composición con Marjan Mozetich.

Al regresar a Edimburgo, continué estudiando composición con la compositora georgiana Marina Adamia y más tarde con Julia Wolfe en la Manhattan School of Music de Nueva York. A lo largo de mis estudios tuve la suerte de estudiar con mentores asombrosos, de trabajar con músicos excepcionales que estaban entusiasmados con música nueva y de colaborar con compositores vivos. Aprender de ellos fue una oportunidad maravillosa, descubrir los entresijos de sus instrumentos, los pilares de la orquesta.

En los inicios mi música era básicamente electroacústica, combinaba sonidos grabados, procesados y en capas, con instrumentos en vivo. Mi primera pieza orquestal importante, Rewind, fue compuesta para la Hysterica Dance Company y la coreógrafa Kitty McNamee, y mucha de la inspiración procede de su excepcional coreografía. Este trabajo aplicaba los mismos procesos electroacústicos, como expansión, compresión y adición de reverberación y delays, mediante la orquestación. Rewind se convirtió en mi ventana al mundo orquestal, lo que dio paso a una residencia con la Orquesta Sinfónica de Chicago entre 2010-2015. Fue una oportunidad increíble para perfeccionar mis habilidades como compositora orquestal al asistir a ensayos, trabajar en estrecha colaboración con los músicos y escribir para la orquesta.

La residencia de Chicago, a su vez, abrió la puerta a residencias con otras orquestas, la Sinfónica de Baltimore, la Orquesta Nacional de Île-de-France y la Sinfónica de Berkeley, que me proporcionaron nuevas oportunidades para componer música orquestal y trabajar de nuevo con los músicos. También he sido muy afortunada de haber recibido el apoyo de algunos directores y mentores de renombre, en particular Marin Alsop que ha sido un apoyo increíble en la programación y puesta en marcha de mi música con varias orquestas. Sin duda, contar con intercesores tan potentes para mi trabajo ha nutrido y apoyado mi carrera como compositora sinfónica.

Pareces haber evitado conscientemente el bagaje de la historia de la música. ¿Te ayuda a adoptar un enfoque nuevo?
Tengo una amplia gama de influencias musicales que van desde Bach y Stravinsky a Stockhausen y Björk, pero cuando estoy componiendo, centro mi atención en lo que estoy tratando de expresar. Trato de seguir mi voz propia y tiendo a evitar escuchar música similar a la mía cuando estoy componiendo, de modo que mantengo un lienzo abierto en mi imaginación. Al haber llegado a la composición orquestal desde una formación electroacústica también he traído una perspectiva diferente desde el punto de vista de la historia.

¿Cómo vives la fase previa a la composición? Es más probable que hables con coreógrafos o pintes ideas en una pared que que hagas un borrador por escrito.
El proceso puede comenzar con una conversación con un artista o un coreógrafo, una imagen, un poema...infinidad de cosas. Recientemente he estado explorando un enfoque más visual, que me parece útil para visualizar la estructura general y la trayectoria de una pieza antes de comenzar a escribir las notas reales. En mi casa-estudio pinto muchas imágenes o bocetos en la pared, a veces con plazos de tiempo concretos, y es entonces cuando comienzo a componer la música de verdad en el piano. A partir de ahí mi trabajo se mueve entre el piano y mi portátil, donde utilizo Finale y/o ProTools, a medida que la música va evolucionando.

Gran parte de tu ímpetu creativo viene a través de la colaboración con otros artistas. ¿Cómo funcionó esto con Three Sisters, tu nuevo concierto para mandolina e instrumentos de cuerda?
La colaboración es a menudo el núcleo de mi trabajo y Three Sisters nació de la inspiración del mandolinista Avi Avital, cuyo increíble virtuosismo, destreza y sensibilidad como músico e intérprete proporcionaron un punto de partida muy bueno. Avi compartió una gran diversidad de grabaciones y decenas de obras existentes para mandolina, lo cual fue muy útil para hacernos una idea de sus capacidades. Fue un reto escribir para lo que es esencialmente un instrumento íntimo e intrincado y encontrar una forma de que la orquesta de cuerdas se complementara y no lo dominara. Estudiar las partituras de muestra y estar en contacto regular con Avi durante el proceso de composición, a través de Skype y en persona en Nueva York, fue de un valor incalculable en la configuración de la pieza.

¿Qué que te atrae especialmente de las imágenes nocturnas como en tu obra orquestal reciente This Midnight Hour?
This Midnight Hour se inspiró en un brevísimo poema de Juan Ramón Jiménez:
¡La música;
—mujer desnuda
corriendo loca por la noche pura!—


Y las imágenes del poema de Baudelaire Harmonie du Soir con líneas como:

Los sonidos y los perfumes giran en el aire de la tarde;
¡Vals melancólico y lánguido vértigo!

Esta imagen muy evocadora fue un punto de partida natural para una obra orquestal, con todos los colores y texturas a mano. El movimiento, como correr y los sonidos del aire y los valses, se traducen de forma muy natural a la música.

¿Cómo fue la experiencia de crear el tema principal para los Proms de la BBC a partir de tu Masquerade de la obra comisionada Last Night?
Fue un gran honor, y un proceso emocionante, re-componer Masquerade para los temas de televisión y radio de los Proms de la BBC y espero componer más música para el cine en el futuro. Como soy una compositora muy visual, la experiencia me parece fascinante, crear sonidos y música que complementan una imagen en movimiento.

Tu nuevo trabajo orquestal Beltane tiene un fondo claramente escocés. ¿Cuál es tu lugar entre el Reino Unido y los Estados Unidos?
Beltane se inspira en el festival del fuego de Beltane que se celebra anualmente en Edimburgo para celebrar la muerte del invierno y el nacimiento del verano y se me encargó como parte de una serie de obras nuevas inspiradas en Escocia. Fue una gran oportunidad para recordar mis tiempos en la Universidad de Edimburgo, donde asistía a las celebraciones por el día de Beltane. Aunque vivo en Nueva York, todavía me siento muy conectada a mis raíces en el Reino Unido y estoy agradecida por ver que mi música se toca a ambos lados del océano. Mi música a menudo incluye elementos de música folklórica inglesa, pero también está influenciada por la nueva escena musical actual de los Estados Unidos, y en concreto la de Nueva York.

Entrevistada por David Allenby, 2017

Anna Clyne
This Midnight Hour (2015) 12'
para orquesta
se estrena esta temporada
en Italia, Austria, Suiza y R. U.

Three Sisters (2017) 15'
para mandolina y orquesta de cuerda
Estreno: 7 de agosto de 2017
Elbphilharmonie, Hamburgo
Avi Avital/Kremerata Baltica

Beltane (2017) 15'
para orquesta
Estreno: 9 de diciembre de 2017
Sala City Halls, Glasgow
BBC Scottish Symphony Orchestra/
Thomas Dausgaard



Foto: Javier Oddo

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