"Performer Picks": Las mejores obras de Alan Pierson para Boosey

(December 2022)

El director de orquesta Alan Pierson es un visionario musical y una fuerza poderosa en la escena de la música clásica contemporánea, habiendo estrenado numerosas obras de Boosey & Hawkes y grabado aclamados álbumes de Reich, Adams y Little. Explica que su relación con la música de B&H se remonta a su infancia:

"Cuando era niño, Boosey era para mí sinónimo de música importante. Pasé mucho tiempo estudiando las partituras de Boosey. Copland, Stravinsky, Bartok, Bernstein... eso es lo que comía y bebía cuando crecía. Tenía la sensación de que en esas partituras de bolsillo de Hawkes vivía la gran música. Cada vez que iba a una librería de segunda mano y encontraba una de esas partituras, pensaba: "Dios mío, ¿qué hay aquí? Esto debe ser música realmente importante'".

En la actualidad, Pierson dirige su conjunto Alarm Will Sound para crear experiencias cautivadoras para el público a través de una programación de música nueva y aventurera. Cuando se le pregunta qué música le atrae personalmente, Pierson responde: "Es un tipo de experiencia lo que me atrae. La música que más me gusta son las obras que te cautivan al primer encuentro y que luego te atraen para saber más. Tengo una experiencia auditiva inicial poderosa y luego pienso: 'Tengo que poner mis manos en esa partitura para entender lo que está pasando'".

Sigue leyendo sobre algunas de las obras favoritas de Alan Pierson en el catálogo de Boosey & Hawkes, y escucha la lista de reproducción "Performer Picks" de Pierson en Spotify.

1. Steve Reich, Tehillim
La primera vez que escuché la música de Reich fue durante un programa de verano para estudiantes de secundaria en la Universidad de Northwestern. Estaba estudiando composición con Michael Pisaro, un brillante compositor y profesor, cuyo trabajo consistía en darnos a los estudiantes una visión general de lo que está ocurriendo en la música en este momento. En una clase, tocó el Tehillim de Reich. Me quedé totalmente hipnotizada y me senté allí, con la boca abierta, completamente absorbida por esta música que no se parecía a nada que hubiera escuchado antes. Después de la clase, fui directamente a la tienda de CDs de Evanston y compré la grabación de ECM. Ese otoño fui a la universidad en el MIT y escuché ese álbum una y otra vez. La biblioteca musical del MIT tenía la partitura, y yo me sentaba allí, con las piernas cruzadas en las estanterías, estudiándola detenidamente, día tras día. Tenía que entender qué estaba pasando en esta pieza. ¿Cómo consigue este compositor que se produzca esta experiencia?

Lo que me atrajo de Tehillim es esta maravillosa combinación de proceso algorítmico y esta sensación de éxtasis. La partitura se rige por estos procesos tan básicos: Cada movimiento tiene un tema que sale del Salmo hebreo y luego un proceso: en el primer movimiento, son cánones; en el segundo, aumento; en el tercero, una especie de llamada y respuesta; y en el cuarto movimiento, lo junta todo y llega a este increíble final extático, con el coro de aleluyas. Debido al proceso que subyace a todo, puedes entender exactamente lo que está sucediendo y cómo Reich está guiando esos procesos para crear esta experiencia extática.

Creo que lo que más nos atrae de la música de Steve es su increíble energía rítmica. Las ideas rítmicas que eran extraordinariamente frescas cuando Reich las desarrolló por primera vez en los años 70 y 80 se han mantenido y siguen siendo frescas hoy en día. La otra cosa es su aceptación de la belleza. En la época en que desarrollaba su lenguaje, era una idea revolucionaria decir: "Podemos hacer arte que sea bello y que tenga algo significativo y sustancial que decir". Eso nos hace volver a su música una y otra vez.

> Escuche la grabación de Pierson de Tehillim

2. David T. Little, Dog Days
En 2008, yo dirigía los talleres del Carnegie Hall que organizaban Dawn Upshaw y Osvaldo Golijov y que emparejaban a un grupo de jóvenes compositores con un grupo de jóvenes cantantes. David formaba parte del programa, y él y el libretista Royce Vavrek acabaron creando varias escenas de Dog Days para cinco cantantes: el padre, la madre, tres niños y un conjunto de cámara.

Recuerdo que miré la partitura y me quedé impresionado por lo que había creado. En el taller del Carnegie Hall se representó la escena inicial, cuando la familia ve llegar a ese extraño hombre-perro y cada persona reacciona a su manera. Lo que más llama la atención de esa partitura son los ritmos: parece una escena de una película o de una obra de teatro que ha sido escenificada, dirigida y representada, y David simplemente escribió los ritmos de su discurso y luego los convirtió en música. Es muy natural. El drama teatral de estos personajes que reaccionan ante la extraña presencia extranjera del hombre-perro está presente en los ritmos de la música. Si se interpreta bien, el drama se produce sin más.

Cuando vi esta partitura, pensé: "Este es un compositor que necesita terminar esta obra". Me puse en contacto con Jed Wheeler en PEAK Performances de Montclair, y le dije: "Jed, tienes que ver esto". Me emocioné cuando Judd dijo: "Hagámoslo". David trajo entonces a Beth Morrison, y juntos lo hicimos realidad. El resto es historia.

> Escucha la grabación de Pierson de Dog Days

3. Oscar Bettison, Livre de Sauvages
Hay muchas cosas que me atraen de la música de Oscar. Una es su sentido del drama musical. Es muy poderoso. En Livre, la primera pieza suya que hicimos, hay dos violinistas en lados opuestos del escenario que dirigen sus fuerzas en oposición al otro, impulsando la pieza hacia adelante. Es realmente mágico.

Los ritmos de Oscar son también muy cautivadores. Tiene esta habilidad para crear ritmos a través de estos complejos procesos matemáticos. Al principio los miras y dices: "Dios mío, ¿qué es esto? ¿Cómo puedo sentir esto?" Parecen complicados, pero en realidad están creando estos efectos muy humanos y orgánicos. Al final llegas a un punto en el que puedes sentir todos estos ritmos extravagantes e interesantes en tu cuerpo, y tener este ritmo pegajoso y fuera de lo común.

Sus sonidos hacen lo mismo. Lo primero que se oye en Livre es la percusión seguida de cuatro instrumentos que mantienen una nota, pero la afinación es extraña a propósito. Se produce una intensa interferencia entre estas notas ligeramente desafinadas, y el efecto es esta sonoridad inusual, cuidadosamente imaginada, que produce estos efectos mágicos. Eso está en gran parte de su música. Su sentido del sonido, combinado con su ritmo y su dramatismo, son las tres cosas que me hacen volver a la música de Oscar una y otra vez.

4. John Adams, Chamber Symphony
Un amigo mío muy querido, Eddie Kohler -un músico y pensador brillante que ahora es profesor de informática en Harvard- se acercó a mí y me dijo: "Dios mío, tienes que venir a escuchar este nuevo álbum de John Adams, Chamber Symphony. Así que vine a escucharlo y me quedé asombrado. Esa energía salvaje y frenética que se respiraba por todas partes no me gustaba. Pensé: "¿Qué está haciendo esta pieza? No lo entiendo". Armónicamente, no tenía sentido para mí en ese momento. Esa fue mi primera exposición a la Chamber Symphony.

Luego, cuando estaba en Eastman estudiando con Brad Lubman, vino John Adams. Yo era asistente de Brad en el New Music Ensemble de Eastman, y estábamos haciendo dos piezas suyas, Shaker Loops y Chamber Symphony. Shaker Loops era una pieza que me gustaba, su conexión con el minimalismo americano tenía sentido para mí. John estaba dirigiendo un ensayo y dijo: "Oye, ¿puedo venir a dirigir esto un minuto?". Recuerdo que vi cómo se entregaba a la dirección de Shaker Loops, y tuve un momento de "Ah ha": "Oh, esto no es minimalismo". Esta música tiene la visceralidad que John busca. Esa demostración transformó la actuación, pasó a este otro lugar de energía.

Después de un tiempo, volví a la Chamber Symphony como director de orquesta. Lo que me confundió inicialmente cuando la encontré por primera vez fue su densidad, que es en gran medida de lo que se trata. John ha comparado la pieza con una fiesta de niños en la que hay todos esos niños por todas partes, enloquecidos y desenfrenados. Lo que llegué a apreciar es que el director de orquesta tiene un papel importante a la hora de esculpir este caos. Estás en esta escena de fiesta loca y tú eres el director de fotografía: Vas a mover la cámara de un lado a otro, acercarte a ese chico y luego alejarte de él. Hay formas de moldear y equilibrar sutilmente la actuación para que siempre haya algo en primer plano.

Para mí, ese fue el camino hacia esta pieza, y desde entonces se ha convertido en una de mis piezas favoritas para interpretar. Siempre es genial crear esa escena cinematográfica con un nuevo grupo de intérpretes y luego ver el impacto que tiene en el público.

> Escuche el debate y la grabación del podcast de Pierson sobre la Chamber Symphony

Foto: Cory Weaver

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