Performer Picks: principales obras de Julia Bullock en Boosey & Hawkes
Parte de nuestra serie de entrevistas "Performer Picks" con artistas de renombre mundial sobre sus obras favoritas del catálogo de B&H. Lea otras entrevistas de "Performer Picks" con Patrick Summers, Marin Alsop, y Miguel Harth-Bedoya.
La aclamada soprano Julia Bullock cautivó a audiencias de todo el mundo con sus poderosas presentaciones mientras se labra una fascinante trayectoria, brindando presentaciones determinantes de óperas de John Adams e Igor Stravinsky.
Su último papel es en la nueva ópera multimedia de Michel van der Aa, Upload, con próximas presentaciones en la Dutch National Opera (1 al 8 de octubre), así como la Cologne Opera y Park Avenue Armory en Nueva York en temporadas futuras. Bullock protagoniza este drama moderno centrado en un padre y una hija que tienen problemas para formar una conexión después de que el padre enfermo decide cargar su mente consciente en una versión digital de sí mismo. (Vea las reseñas del estreno mundial en Bregenz el pasado mes de julio.)
Además de su fama como cantante, Bullock es famosa por sus instintos curatoriales. Ella afirma:
Cuando pienso en la curaduría, busco temas que afronto como individuo y cómo eso se refleja en lo que sucede en nuestro mundo en este momento. Cuando miro a compositores como Michel van der Aa, John Adams o Benjamin Britten, ellos tienen una maravillosa conciencia de sí mismos, al mismo tiempo que hacen referencia a todo lo demás que sucede a su alrededor. De esa manera, me identifico con estos compositores porque se desafían constantemente a sí mismos.
Siga leyendo para conocer las ideas de Bullock sobre la música de van der Aa, Stravinsky, Britten y Adams.
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En primer lugar, Michel es una persona sensible y paciente. Y hay una tremenda sensibilidad y un nivel de gracia que exige de los intérpretes en toda su música. Hay algo prístino que siempre busca: está en la orquestación y está en la línea vocal.
La primera pieza que me vio interpretar fue The Rake's Progress de Stravinsky. Y me dijo: "encontraste una manera maravillosa de equilibrar las demandas de la música de Stravinsky, su arquitectura y escritura angular, y encontrar el lirismo y la narrativa."
En la música de Stravinsky, al igual que en la de van der Aa, se extrae de varias fuentes musicales distintas. Extrae de prácticamente todos los períodos de la música en The Rake's Progress. En cuanto a la música de Michel, equilibra el espacio operístico clásico y el espacio de la música popular. Esto es muy evidente en la escritura, y desde el primer día del ensayo fue absolutamente necesario tener esto en cuenta con el fin de satisfacer la ejecución que busca. Michel quiere la ejecución más directa posible de su material con la mayor claridad. También valora el máximo equilibrio en la voz cantante de una persona. Entonces, incluso si hay extremos emocionales a lo largo de la ópera, eso aún debe traducirse en mi voz con equilibrio y gracia. Como cantante, aprendí muchísimo de eso, y para el desarrollo de personaje, fue interesante que ese estado de equilibrio fuera el punto de retorno constante.
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2. Igor Stravinsky, The Rake’s Progress
Mi invitación a aprender y actuar por primera vez The Rake's Progress fue para el Festival de Aix-en-Provence a pedido del director/compositor Esa-Pekka Salonen. Hice una audición para él mientras asistía a la escuela en Juilliard; tenía una bronquitis muy grave, justo terminé una presentación y volé de regreso a la ciudad, así que le dije: "Le voy a dar un minuto y medio. " Sí, realmente dije eso. [Risas] Pero terminé cantando una buena cantidad del aria principal de Anne (que dura casi nueve minutos), y él dijo: "sabes, me encantaría escuchar el do agudo". Y yo estaba como, "¿necesitas escuchar si puedo cantar un do agudo?" En retrospectiva, ¡fui realmente combativa durante ese primer encuentro! Una cosa que no supe hasta cinco años después, cuando dimos una entrevista a dúo juntos, fue que aparentemente él lloró mientras yo canté esta aria. Eso me pareció realmente conmovedor… y divertido. [Risas] De todos modos, esa fue su introducción a mí, la mía a él y, supongo, la mía a Stravinsky.
Pero fue con este tipo de ferocidad que me acerqué al personaje de Anne Truelove. Escuché y vi tantas producciones diferentes de esta ópera, y cuando miro las palabras de WH Auden y la música de Stravinsky, siempre sentí que Anne tiene una verdadera claridad de pensamiento, devoción y fiereza. Su compromiso es inquebrantable.
> Mira a Bullock interpretar un extracto de The Rake's Progress de Stravinsky.
3. Benjamin Britten, Les illuminations
Hay ciertas piezas de música que escuchas, y simplemente te derriban de inmediato: sientes que te transportan, paralizan, trascienden de alguna manera. Les illuminations fue así para mí. La primera vez que lo escuché fue en una clase de estudio con tenor y piano. No miré las palabras, no entendía el alcance de lo que hablaba, no conocía al poeta Rimbaud, no sabía nada realmente sobre la obra, pero me dio esa sensación.
La pieza volvió a cruzarse en mi camino cuando una amiga la interpretó en su recital de posgrado en Bard, y comencé a digerir el texto. Pensé, vaya, esta es una de esas obras que lo abarcan todo y que exige una inversión física del intérprete y una verdadera capacidad técnica, pero también un compromiso psicológico. Y fue entonces cuando comencé a traducir el trabajo e investigar sobre Rimbaud.
Estoy muy agradecido de esperar casi 10 años para cantarlo. Es tan desafiante como todos dicen, no solo la línea vocal sino también la poesía. Tratando de aclarar, ¿qué es exactamente lo que Rimbaud trata de destrozar aquí? ¿Cuál es exactamente la realidad que le resulta tan difícil reconciliar? Cuando era joven, cualesquiera que fueran sus razones para escapar de su vida, lo que lo impulsó a escribir estos giros de frase que desafiaron todo lo que lo rodeaba, al mismo tiempo que llegó a un lugar de comunión con todo lo que lo rodeaba, y luego lo combina con la música de Britten y, de nuevo, se trata de tener la capacidad de mantener estos extremos en equilibrio en todo momento.
4. John Adams, Girls of the Golden West
Después de cantar para John por primera vez, me sorprendió cuando "su gente" volvió a hablar con "mi gente" y dijo que le gustaría que Julia considerara cantar El Niño, A Flowering Tree, la grabación de Doctor Atomic, y también esta nueva ópera. Por supuesto, dije que sí.
Entonces Peter Sellars me llamó y, con su manera efusiva, me explicó todo el proyecto: "se trata de la historia y el desarrollo de Estados Unidos, y de todo a lo que aspira y también de todo lo que deja de hacer." La ópera se musicaliza durante este corto período de tiempo en la década de 1850 en California, un lugar que se encuentra muy cerca del corazón de John.
Peter me dio el libro de las cartas de Dame Shirley antes de que pudiera ver o escuchar la música. E inmediatamente tuve la sensación de que proyectaba una caracterización de sí misma, quiero decir, eligió este nombre Dame Shirley para representarse a sí misma, cuando su nombre real era Louise Clappe, ¿verdad?
Una de las cosas que necesitaba preguntarme tanto sobre el vocalismo como su caracterización era, ¿cuáles son los momentos en los que proyecto el personaje de Dame Shirley y cuáles son los momentos en los que soy Louise Clappe? Porque estos dos "personajes" son intrínsecos entre sí. Entonces, ¿hay momentos en los que esa persona súper extravagante y hiperencantadora encubre algún otro trauma tremendo que presenció e intenta (y tal vez no puede) procesar?
Ella describe el compás: "Este es el lugar más repugnante del mundo, ¿no es fabuloso? Estos hombres son totalmente depravados, ¿no es eso curioso?" [Risas] Estoy parafraseando, pero así es como es ella. Y luego están otros momentos de abrasadora fricción que tiene con las personas y las decisiones que toman. Cuando miro el aria de cierre, que trata de obtener una perspectiva de un mundo destrozado y tratar de mantener las esperanzas y aspiraciones de uno para el lugar, creo que John capturó eso de una manera extraordinaria.
> Mira a Bullock interpretar un extracto de Girls of the Golden West
5. John Adams, El niño (nueva versión de cámara)
El Niño fue la primera pieza de John de la que me enamoré. Es una pieza que me apasiona y quiero que la escuche tanta gente como sea posible. Estoy agradecido con John por permitirme desarmarlo y volver a trabajarlo en una versión más destilada, para hacer posibles presentaciones. Debido a todas estas fuerzas tremendas —los contratenores, tres solistas, coro de adultos, coro de niños, orquesta completa con instrumentación extendida— se requieren muchos recursos para hacer una presentación, y me sentí frustrado cuando las orquestas dijeron que no podían interpretar la pieza.
Por supuesto, John concibió El Niño de esta otra manera, esta es una historia sobre la creación de la vida, y con ella, toda esta fuerza extrema, presencia y brillantez. La versión que empecé a concebir es mucho más suave, muy destilada. Es una narración directa de la historia de la natividad. Recontextualiza la obra y encuentra una manera de hablar en una variedad de lugares y con una variedad de personas.
Porque sí, creo que hay una razón por la que mi imaginación se dispara cuando escucho el material: la música de John o la música de Michel, la música de Stravinsky o la música de Britten. Mi entusiasmo ahora está desatado y quiero asegurarme de que esté disponible para recibirse.
[Esta versión de cámara de una hora de El niño se estrenó en The Met Cloisters en 2018. La versión finalizada de este arreglo se presentará en una temporada futura.]
Foto: Allison Michael Orenstein
